杜布菲特(1901-1985)是二戰後真正的藝術大師。他不苟同於法國當時的藝術潮流，頑強執着自己的藝術創作個性，以其鮮明的繪畫語言特色和肌理表現，在世界藝壇中獨樹一幟，開拓了完全屬於他自己的繪畫天地。
杜布菲特強調繪畫中的視覺作用，否定傳統或現代藝術中的種種清規戒律。他認爲，“色彩的調和性的構圖原則，並不能使它們獲得真正的藝術真諦”。那種試圖在一幅畫中綜合所有的藝術表現形式，必然是不切實際的，其實則是“一種社會時尚的迎合。”他主張，“我們不能只用眼看世界，還要用心智去感受萬物。”那樣“我們至少可以褪下矯飾的外表，迴歸事物的本質。”因此，他爲了尋找屬於自己的藝術語彙，在早期系統地研究精神病者的藝術作品。他發現，病人的那些作品的所謂“荒誕性”，卻是人的合理、正常的情緒和需求的表達，人性的直接證據。它們不落俗套，不同凡響，非常動人，再現了藝術的表現機制——無限性熔融於人的思維之中。
杜布菲特大量蒐集的這些畫作，被他稱爲Art Brut——意指是一種未加工的，非學院派的，沒有被人認爲的藝術，是一種最原始的表達。這些痕跡，我們在他50年代初期的大量油畫作品中找尋到，尤其是那些頗爲鮮活的藝術表現形式，這是誘發“我的藝術創作母體”。
“藝術就是激發我們的想象力，這才使得藝術價值珍貴和永恆。”正是如此，在杜布菲特的作品中，我們可以看到被平面化、去差異化的人物造型。他們有的看上去稚拙、可笑，有的看起來簡單且造型誇張，有的甚至使人感到荒誕怪謔。當我不懂美術的朋友在翻看他的畫集時，竟驚歎道：“這些畫，醜陋的小屁孩們，我都能畫出來，幼稚園裏的小朋友們都比杜布菲特畫得好。”
是的，當不懂欣賞杜布菲特作品的外行觀其作品時，總有這類驚訝。而杜布菲特這樣解釋他的作品：“去掉模特兒的個人特徵，使之他們更具有人類特徵的共性。”換句話說，他所謂的“共性”，就是使描繪的客體對象有着人類普通意義上的共同特徵。它可以依據“人”的特徵，從而激發欣賞者的無限想象力;讓“想象”聯繫每一個人的個體特徵，這纔是藝術所要的語言。”杜布菲特如是說。
杜布菲特早期的作品，以簡單的技法，原始的概念，誇張和刻意，表現他的“人物”和“景”。而後期作品則表現出與之前迥然不同，充滿複雜性的新風格。這時的油畫更注重對肌理的研究。例如《煤灰的景色》則是最好的證明。它有一種礫石的外觀，而在它暗暗的顏色之下，掩藏着土塵和煤灰。畫上的小道、田野、房子及人物，均以輕描淡寫。在暗色的背景上，細線勾畫出一種殘缺、破損的輪廓邊緣。畫面也因此充滿了可視的觸感。杜布菲特的材質繪畫，幾乎達到了一種以感官去具體理解事物的自然觀。說明了材質應用於繪畫，往往會產生令人震驚的藝術效果。
從紙本印刷的畫冊當中，初賞杜布菲特的作品，總讓我聯想到雲南重彩畫的表現技法。在表現內容，選擇題材方面，我們要學習杜布菲特勇於創新，敢於挑戰的無畏精神。人們嗤之以鼻，嘲諷譏笑其弱智的形象，與人的尊嚴開了一個無聊滑稽的大玩笑，這是對神聖藝術的褻瀆。而在這時，他還能堅持自己的創作道路，是需要極大的勇氣和信心的。
另外，從繪畫的表現技法上，也給現代彩墨畫提供了充足的、可資借鑑的養分。杜布菲特別具一格的表現技法，注重對畫面肌理的要求和選擇，是我們可以借鑑與發揚的。既然是現代彩墨畫，我們就應該尋求現代藝術的語彙，找到屬於自己的肌理語言，豐富觀者的欣賞體驗。這也是一個我們值得去鑽研探索的方向和目標。
我認爲，杜布菲特的藝術成就，關鍵問題是他的開放思維和創新理念，不拘泥於慣常的、傳統的表現形式，而注重形式與技法的創新，也給研習現代彩墨畫的我們提出了一個關鍵問題：你將如何放飛你的思維，表達你想表達的一切。
